Rosen i billedkunst er ikke bare en blomst på et naturskab. Det er en kode, en kryptering, et budskab. Mestrenes fra renæssancen lagde religiøst indhold i blomsterblade, impresionister søgte lysleg i dem, og surrealister de mørke sider af det underbevidste. I denne artikel vil vi gå gennem museer (uden at nævne dem) og se, hvordan billedet af rosen har ændret sig fra freske til installation.

Middelalderen og den tidlige renæssance: symbol for Madonna

I gotiske katedraler optræder rosen ofte i vinduer som en "mystisk rose", et symbol for Madonna. Blomsterbladene associeres med Marias fem glæder, stilkene med hendes lidelser. I malerier fra kvatrotekstet (Fra Angelico, Botticelli) vises Madonna ofte i en rosa have eller med en rose i hånden. Det er ikke kun en dekoration, men en teologisk symbol. I Botticellis "Fødslen af Venus" falder roser fra himlen, symboliserer kærlighed, der fødes af skum fra havet — her krydses antik og kristen symbolisme.

Barokko og rokoko: sensuelhed og rigdom

I 1600-1700-tallet blev rosen et symbol for verdslige fornøjelser. På Rubens' og Watteaus malerier er roser, der falder på nymfer og amorer. De er fyldige, lyse, næsten følbare. Kunstnere fra rokoko (Fragonard, Boucher) placerede ofte roser i flirtscener: en ridder giver en dame en buket, som betyder en antydning af følelser. I naturskaber sidder roser ved siden af peaches, druer og fældet vildt — som en påmindelse om livets skrøbelighed (vanitas). Det er bemærkelsesværdigt, at "roses" også optræder i arkitekturen på samme tid — dekorative ornamenter i form af en rose.

Rose i japansk og kinesisk maleri

I østlig kunst symboliserer rosen (især pion, som ofte forveksles med rosen) rigdom og ære. Men den rigtige rose optræder også på manuskripter og shikimono i Edo-perioden. Der er mere beskeden, asketisk. Ofte vises en enkelt blomst på en tom baggrund — som et meditationsobjekt. Japanske kunstnere understreger stilkens linje, blomsterbladernes bøjninger, skævheden af stilkene. Rose fungerer ikke som et symbol for passion, men som et tegn på skønhedens øjeblikkelighed (mono-no avare).

Impressionisme og postimpressionisme: lys og farve

Impressionisterne (Monet, Renoir) tog roser udenfor. Deres interesse var, hvordan sollyset ændrer farven på det rosa. Monet skrev en hel serie med roser i sin have i Giverny. Her er rosen ikke et objekt, men en del af lys- og luftmiljøet. Van Gogh i "Roses" (1890) forestiller en buket på en grøn baggrund, og blomsterne pulserer med energi. Matisse brugte roser som dekoration i sine "røde værelser", næsten abstrakte. Postimpressionisterne vendte også til symbolisme: hos Odilon Redon er roser mystiske, svævende i kosmisk rum, med eller uden øjne.

Surrealisme og XX århundrede: rosen som traume

Salvador Dalí forestillede en rose, der svæver over en ørken ("Meditativ rose", 1958). Det er en drømmeblomst, en erindringsblomst. Hos surrealisterne står rosen ofte i modsetning til virkeligheden — den kan være plastik, såret, voksende ud af en sprække i betonen. Frida Kahlo integrerer roser i sine selvportrætter, men de sidder ved siden af skarpe stik, der skader hendes hals. Her er rosen et symbol for både kærlighed og smerte, passion og lidelse. I pop art (Warhol) gentages rosen som en print, taber sin individualitet, og bliver et symbol for en gentaget skønhed.

Rose i skulptur og installation

Rose er hugget ud af marmor (Antonio Canova, "Amor og Psyche", hvor rosen i Psyche's hånd), smedet i bronze, skabt af glas ( Dale Chihuly). I moderne kunst fylder store roser af papirmasse og plastik udstillingshallene, inviterer publikum til at tænke over kunstighedens skønhed. Installationer med levende roser (Ilya Kabakov, "Rød vognvogn") skaber en duftende, men hurtigt udtørrende verden. Rose forlader maleriet og går ind i rummet, men mister ikke sin magi.

Rose i heraldik og emblematik

Man kan ikke undgå at nævne heraldisk rose. Hvide og røde roser er symboler for modstridende stammer i England (Krig om den røde og den hvide rose). Rose pryder også byernes våben (Lithuania, Florence). I freemasonry kombineres rosen med korset (Rosa og Kors). I sovjetisk kunst forsvandt rosen næsten (som et bourgeoisk symbol), men blomstrede op på "albumkort" til piger — kitsch, men også kunst.

Teknikken til at male rosen: fra freske til pixel

Håndværkere har i årevis søgt efter måder at overføre blomsterbladernes tekstur på. Olie tillod at skabe glatte overgange, akvarel luftighed. Hollandske naturskabsmestre malede roser, så man ønskede at tørre en dråbe sved af. Impressionisterne brugte separate pletter, skabte en vibrering. I dag maler digitale kunstnere roser på tablets, men problemet forbliver: hvordan overføre blødhed? Måske ligger gåden ved rosen her: man kan ikke kopiere den fuldt ud, man kan kun føle den.

Bildet af rosen i kunsten dør ikke ud. Det muterer, genfødes, men forbliver genkendeligt. Så længe kunstnere søger svar på spørgsmålet om skønhed, vil de male roser. Fordi rosen er kunst: smuk, spidset, øjeblikkelig og evig.

Permanent link to this publication: